Intorno alla fine dell’800, La Royal Geographical Society promosse e finanziò innumerevoli esplorazioni. Il 27 gennaio 1888 a Washington DC fu istituita la National Geographic Society, che si prefisse l’obiettivo di “incrementare e diffondere la conoscenza geografica e allo stesso tempo di promuovere la protezione della cultura”. In questo libro una fantastica rassegna di fotografie offre testimonianza di quelle lontane spedizioni a metà fra l’avventura e la ricerca scientifica.
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Illustrato con splendidi esempi di opere artistiche e commerciali, questo volume offre una panoramica unica e approfondita della calligrafia in quanto forma d’arte, tecnica artigianale e strumento fondamentale per il design moderno.
Calligrafia è una guida fondamentale per gli artisti e gli studenti di questa antica disciplina, e fornisce un’ampia documentazione sulla pratica tradizionale e moderna, fino alle più recenti elaborazioni digitali.
Gli esercizi progressivi vi porteranno a padroneggiare la creazione delle classiche grafie del passato, evidenziando le caratteristiche fondamentali e le varianti di ogni scrittura per aiutarvi ad assimilare le basi e a sviluppare il vostro stile personale.
Il volume include:
•  profili dei principali calligrafi e grafici contemporanei
•  esempi dettagliati di diverse tecniche di scrittura
•  tutorial sulla miniatura, la decorazione e la composizione
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Giovanni Segantini (1858-1899), uno dei più grandi pittori europei di fine Ottocento, ebbe in Milano una vera e propria patria dello spirito, una città di riferimento per tutta la sua breve vita. Anche dopo il trasferimento in Svizzera, infatti, Milano restò il fulcro della sua parabola artistica e piazza favorita per l’esposizione delle sue opere.
Realizzata in collaborazione con Mazzotta e pubblicata in occasione della grande retrospettiva milanese, questa monografia ripercorre l’itinerario artistico e la vita del pittore dall’infanzia, trascorsa nella vivace Milano post-unitaria, al trasferimento tra le montagne dell’Engadina, uno degli ultimi incontaminati paradisi naturalistici.
Il suo avventuroso pellegrinaggio dai colli della Brianza alle Alpi svizzere narra la storia straordinaria della creatività culturale che si sviluppò nelle valli tra l’Italia e la Svizzera all’inizio del secolo scorso.
Introdotto dalla Cronologia, che illustra il percorso esistenziale e la vicenda artistica di Giovanni Segantini e dai saggi di Annie-Paule Quinsac (Milano, le Alpi, il mondo) e di Diana Segantini (Lettere da Casa Segantini), il volume riunisce i contributi di Pietro Bellasi, Luigi Zanzi, Dora Lardelli, Guido Magnaguagno, Beat Stutzer, Gianluca Poldi, Stefania Frezzotti e Letizia Montalbano.
Il catalogo delle opere presenta oltre 120 dipinti e disegni provenienti da importanti musei e collezioni europee e statunitensi ed è suddiviso in otto sezioni (Gli esordi; L’evoluzione del ritratto; Il vero ripensato: la natura morta; Natura e vita dei campi; Natura e simbolo; La maternità; Fonti letterarie e illustrazioni; Il trittico), ciascuna delle quali dedicata a un aspetto dell’arte di Segantini e rappresentata da alcuni dei maggiori capolavori del grande artista.

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Il volume comprende un insieme rappresentativo di opere incentrate soprattutto sulla visione frammentata che l’artista aveva del corpo umano. Dalla fine degli anni settanta quando si firmava con l’acronimo SAMO “SAMe Old Shit” (letteralmente la solita vecchia merda) fino alla precoce morte nel 1988, Basquiat dipinse soggetti che affermavano il carattere precario dell’esperienza urbana: corpi scheletrici, figure nere, immagini che affondano le radici nel paesaggio della sua giovinezza (auto, aerei, grattacieli, poliziotti, giochi infantili, cartoni animati e fumetti, graffiti, saturazione di simboli come © o la corona), a cui sarebbero seguite poco dopo composizioni più dense realizzate su tele collocate su rudimentali telai visibili. Il corpo, costantemente evocato, si trasforma in una idea, una traccia di una presenza spettrale che si trasmette attraverso l’energia fisica che caratterizza l’artista. L’immagine del “corpo” si presenta inizialmente come quella dell’artista stesso, sotto varie sembianze e in termini anatomici. Successivamente si può intendere come “corpo scenico”, o “corpo recitante”: il cosiddetto “graffitismo”. Si osserva anche nel suo interesse per le immagini di grandi musicisti e sportivi: non si tratta solo della loro “fama”, ma della capacità di trasmettere qualcosa di spontaneo, che al tempo stesso risulta sublime.
Come sostiene Olivier Berggruen, curatore del catalogo, l’artista rafforza la sua presenza attraverso l’evocazione di frammenti, un modo per “scacciare i fantasmi”, frase prediletta che compare in almeno tre dei sui quadri. La presenza schiacciante di creature somiglianti a zombie che sembrano tornate dal mondo dei morti, i resti di scritte, a volte cancellate e altre volte incise nella tela con forza inaudita, affermano la particolare situazione di Basquiat nel cercare di superare l’abisso che esiste tra la fugacità della vita e la riaffermazione della stessa attraverso il gesto del pittore.

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Le opere di Schiele e dei principali protagonisti della cultura viennese del primo Novecento.

Realizzato in collaborazione con il Leopold Museum di Vienna (che possiede la maggiore raccolta al mondo di opere di Schiele) e pubblicato in occasione della mostra milanese, il volume presenta un’ampia selezione di dipinti e opere su carta dell’artista, accompagnati da capolavori di Klimt, Kokoschka, Gerstl, Moser e di altri protagonisti della cultura viennese del primo Novecento. È infatti impossibile e fuorviante sganciare la personalità artistica di Schiele dal contesto storico-culturale in cui egli visse. Per questo motivo Schiele e il suo tempo ricostruisce attorno al celebrato maestro, il clima culturale della capitale austriaca dei primi anni del XX secolo, partendo dalla fondazione della Secessione, attraversando le tendenze espressioniste della generazione successiva, fino al 1918, anno segnato dalla fine della prima guerra mondiale e dalla morte di Klimt e Schiele. Un breve ma intenso periodo, in cui a Vienna si assiste allo sviluppo di tendenze espressioniste da parte di giovani artisti “dissidenti” (primi tra tutti Schiele, Kokoschka, Gerstl) accomunati dal rifiuto della tradizione, dall’uso di un segno primitivo ed elementare, dall’impiego antinaturalistico del colore, dalla tendenza alla deformazione e alla riduzione delle forme a pure sagome, da un linguaggio pittorico convulso e corposo.

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