Intervista a Luciano Romano in mostra fino al 10 luglio al Pio Monte della Misericordia
Ex Novo, corsi e ricorsi storici dell’universo umano attraverso una rilettura fotografica di alcuni dipinti del Barocco
Appena rientrato dall’ultima edizione del MIA, la più grande rassegna della fotografia d’arte in Italia, Luciano Romano riesce a dedicarmi del tempo per un’intervista che gli avevo proposto all’opening della sua mostra Ex Novo al Pio Monte della Misericordia.
Jusepe de Ribera, Luca Giordano, Guido Reni, Francesco Guarino, Caravaggio, sono gli autori di alcune opere che hanno ispirato Luciano Romano che riprende e riadatta temi sociali contemporanei: Ex Novo. Solitudine, smarrimento, femminicidio, migrazioni… La rilettura di alcune grandi opere d’arte, fatta da Luciano Romano, fa comprendere che trascorrono i secoli ma resta l’universalità senza tempo dell’essere umano.
Teatro, architettura, ricerca, Luciano Romano in quale fotografia si sente più rappresentato?
Mi interessa indagare il rapporto esistente tra la fotografia e il linguaggio teatrale, e come la fotografia contemporanea tenda sempre più a mettere in scena il soggetto rappresentato anziché limitarsi a documentarne una possibile condizione oggettiva. La coesistenza di verità e finzione nell’immagine fotografica mette in crisi un medium storicamente considerato descrittivo e documentale e l’osservatore di un’immagine assomiglia sempre più allo spettatore che per tutta la durata di un film stabilisce un patto non dichiarato con il regista per lasciarsi coinvolgere da ciò che vede.
Anche l’architettura (che è stata materia dei miei studi universitari) può essere letta come una messa in scena: costruire l’ambiente a propria immagine, sfidare la legge di gravità partendo dalla pesantezza e dall’opacità della pietra per mirare alla luminosità del cielo.
È quello che avviene in molte delle mie immagini, immerse in un’atmosfera che le fa apparire come sospese nel tempo e nello spazio, sempre agganciate alla realtà visibile ma allo stesso tempo tendenti a qualcosa di ideale e trascendente.
Tutto questo avviene rimanendo fedele all’oggettività del processo fotografico, in attesa che si compia quel processo di trasfigurazione latente in ogni rappresentazione.
E il ritratto? Nel tuo ultimo lavoro in esposizione, Ex Novo, il ritratto è predominante e vi sono espressioni dei soggetti che non hanno sempre a che vedere con un ritratto colto al volo. Le tue modalità operative per ottenerli?
Il ritratto nel mio caso ha sempre a che fare con il teatro, che è alle origini della mia esperienza, e ritorna in particolare nei miei lavori installativi, come quelli realizzati per la Metropolitana dell’Arte di Napoli.
A partire dal 2008, e in particolare nelle installazioni pubbliche, sono protagonisti i volti e i corpi di attori, cantanti, danzatori; per queste, che sono in tutto e per tutto immagini messe in scena, lavoro come un regista e preferisco avere davanti a me persone abituate a gestire l’espressione del viso e i movimenti del corpo, anche se è escluso che li costringa a una posa vera e propria, preferendo sempre cogliere lo scatto durante un’azione dinamica.
Come è stato nel caso dell’installazione permanente Song ‘e mare nata per la stazione della Metropolitana di Scampia: quattordici ritratti a figura intera di musicisti napoletani di diverse generazioni, ripresi in inverno sulle spiagge del litorale. Un’azione performativa illuminata con intento teatrale, un conflitto tra il sole che rimbalza in controluce sulla superficie dell’acqua e la luce artificiale proiettata sui personaggi.
La linea dell’orizzonte è uguale per tutti, come l’atteggiamento del corpo, un passo in avanti che cita l’iconico ritratto nella fotografia-manifesto, La Rivoluzione siamo noi nel quale Joseph Beuys indaga il senso dell’arte in relazione alla sua fruizione sociale e sembra suggerire a chi lo guarda di unirsi a lui.
In Ex novo hai dato una tua interpretazione contemporanea di alcuni dipinti di grandi autori caravaggeschi. Arte: quando, come, perché, in che modo ti sei avvicinato alla pittura?
Ho cominciato a produrre immagini disegnando e dipingendo, e ho abbandonato tele e pennelli per la macchina fotografica, ma non ho smesso mai di pensare all’immagine come a qualcosa che si forma nella nostra mente prima di rendersi visibile su un foglio.
Hai da fare considerazioni personali sull’importanza o meno dell’arte per un fotografo?
Un fotografo, almeno nella professione, può fare a meno di possedere un particolare talento artistico, e riuscire a compensarlo con altre doti, ma è certo che chi possiede una sensibilità creativa fotografa in un modo diverso e può permettersi il lusso di fare a meno di inseguire generi e stili presi in prestito da altri autori. L’abilità nel disegno denota una struttura mentale in grado di costruire immagini originali, e questo è un vantaggio innegabile; infine, il senso della composizione e della luce sono abilità che accomunano chi dipinge e chi fotografa.
D’altro canto, l’arte è oggi svincolata da particolari capacità esecutive e spesso le fotografie sono utilizzate dagli artisti come medium per opere concettualmente valide, senza per questo essere “buone” immagini in senso stretto.
Per quanto mi riguarda il prelievo meccanico dalla realtà visibile non mi ha mai interessato, e ho sempre cercato la dimensione ideale della rappresentazione.
La mia fotografia, anche se apparentemente fedele al soggetto che ritrae, intende fissare un pensiero, un’immagine mentale, svincolata dalla contingenza della realtà visibile. L’immagine che ci rimane impressa è sempre lo specchio di qualcosa già posseduto nella nostra mente, è come un’eco che risuona, qualcosa che mette in gioco l’archivio della nostra memoria, è questo che la rende riconoscibile; oggi diremmo che è come una parola chiave che innesca il nostro personale motore di ricerca.
Le modalità di approccio a Ex Novo: ideazione, appunti, i punti emozionali che volevi raggiungere per ogni opera come li hai pre-elaborati?
Ex Novo è costituito da un nucleo di sei immagini che da aprile a luglio del 2022 farà ala intorno al capolavoro di Caravaggio, le Sette opere di Misericordia. Sono fotografie liberamente ispirate a dettagli della grande pittura barocca, e interpretano il valore della misericordia, ovvero quel sentimento di empatia e compassione per i deboli e per gli ultimi, che spinge ad agire per condannare la violenza, la discriminazione, il rifiuto per la diversità.
Stiamo vivendo un momento difficile, tra epidemie, guerre, esodi, violenze che fanno pensare a un ricorso della Storia, al Seicento, al Secolo di Furore che vide nascere le creazioni del Pio Monte della Misericordia. Il titolo Ex Novo ci suggerisce che il tema è affrontato secondo le logiche e le urgenze del nostro tempo, mettendo in luce i sentimenti di empatia e compassione nei confronti delle persone fragili e vulnerabili che io ho individuato nella generazione di ragazzi nati nel nuovo secolo, i ventenni che si affacciano alla vita carichi di speranze e ideali e ai quali stiamo consegnando un mondo appestato da guerre, violenze epidemie, catastrofi ecologiche. Con questo lavoro non intendo raccontare compiutamente un’azione o definire un significato univoco, ma suggerire una possibile interpretazione da parte dello spettatore, lasciando intenzionalmente un varco aperto. Sono immagini che vogliono farsi completare dallo sguardo di chi le osserva.
Questo lavoro è stato realizzato costruendo un set e realizzando un’azione performativa in movimento che è stata fissata attraverso lo scatto fotografico senza mettere mai in posa gli interpreti e si riferisce molto più al teatro, al cinema e alla pittura che alla fotografia vera e propria, adottando un metodo e un linguaggio che prende le distanze dal modello retorico del fotogiornalismo. Quest’ultimo si è sviluppato sui modelli sensazionalistici di alcuni grandi premi fotogiornalistici, e ci inonda di fotografie di reportage di forte impatto, che non siamo più in grado di assimilare. Quel genere di immagini mediatiche che, usando le parole di Luigi Ghirri dette già quaranta anni fa, anziché risvegliare il turbamento della coscienza finiscono per provocare un’anestesia dello sguardo.
![]()
Il casting per Ex novo è stato specifico per ogni opera o ti è bastato che fossero attori?
Il casting è stato fondamentale; molti degli incontri con i soggetti scelti per le immagini sono avvenuti casualmente, in teatro, assistendo a uno spettacolo, e realizzando lo scatto in base a quanto mi veniva suggerito dalle mie reazioni di spettatore. Questo è avvenuto vedendo l’ultimo spettacolo di Emma Dante, dove una scena di violenza su una giovane donna mi ha fatto pensare alla Strage degli Innocenti di Guido Reni; nell’immagine da me realizzata ho chiesto agli attori di rivivere le dinamiche dello spettacolo, riferendosi però a un dettaglio del dipinto che ho loro mostrato e che è stato da loro liberamente interpretato. Nello scatto che ho scelto, la forma triangolare dei capelli afferrati violentemente da una mano maschile chiusa in un pugno, richiama alla mente i volti cuspidati che appaiono in Guernica di Picasso, icona assoluta della condanna della barbarie della guerra, non a caso postata migliaia di volte all’indomani dell’invasione in Ucraina, ed è noto che questi volti urlanti ritratti da Picasso erano ispirati al dipinto di Reni.
In altri casi cercavo una somiglianza solo in alcuni dettagli: la bocca e il mento della Sant’Agata, ritrovati in una giovanissima attrice di quindici anni, (che era poi l’età della martire ritratta da Guarino). Una bocca da bambina che contrasta con gli occhi sofferti di donna che fieramente lancia verso di noi uno sguardo di sfida. Non c’è sangue sul panno bianco che stringe al seno; eppure, senza mostrare nulla, emerge tra le trame del tessuto il senso di una violenza nascosta.
Il volto del ragazzino del quadro di Ribera l’ho ritrovato nei lineamenti di una giovane interprete di danza contemporanea, e la posizione delle braccia, pur così simile ai dettagli originali, fa riferimento alla gestualità espressa in alcune coreografie di tendenza, innescando il cortocircuito visivo che è alla base di questo progetto.
Ancora, le serpi della capigliatura di Medusa in Perseo e la Medusa di Luca Giordano mi hanno fatto pensare ai capelli di Filippo Scotti, il giovane protagonista di È stata la mano di Dio di Paolo Sorrentino. Lo scatto è stato realizzato esattamente il giorno prima che il film debuttasse nelle sale: il giorno dopo lui sarebbe diventato, nella percezione di milioni di spettatori, un personaggio da copertina e non più il ragazzo figlio di amici, appassionato di recitazione. Nella messa in scena la fotografia racconta di un passaggio di stato, che coglie una singolare analogia nella vita reale dell’interprete.
Quali sono i nodi emozionali che volevi raggiungere con questo lavoro?
Le immagini di Ex Novo colgono uno stato di sospensione, come se l'occhio si fermasse sulla soglia di qualcosa che sta per avvenire sotto i nostri occhi. Questo stato emozionale sta per emergere, è soffocato e silenzioso, colto in un attimo di raggelata e raggelante sospensione.
In questi scatti si percepisce un senso di smarrimento, di perdita di punti di riferimento: qualcosa sta per accadere, ma non si è ancora compiuto. Rispetto al senso tragico, esplicito e plateale dei prototipi pittorici ai quali mi sono ispirato, qui non esiste un’attribuzione di senso o una narrazione ben definita: in questa realtà ci siamo ancora dentro e non abbiamo la prospettiva giusta per vedere a lunga distanza, non sappiamo come andrà a finire.
Una mia considerazione sulle foto esposte in mostra: le luci degli scatti sono alte rispetto all’intensità dei chiaroscuri caravaggeschi. Prima di vederle esposte, mi aspettavo delle immagini in low-key. Qualcosa di più drammatizzato da ombre/contrasti.
C’è qualche motivazione estetica, etica, tecnica, espressiva per la scelta della tua luce?
Sono contento che tu lo abbia notato, fare una luce marcatamente caravaggesca sarebbe stato in questo particolare contesto un banale e non nuovo esercizio di stile. Vorrei chiarire che le mie sei immagini non si riferiscono direttamente al capolavoro di Caravaggio (col quale sarebbe stato, se non altro, imprudente confrontarsi), semmai alle sei tele che gli fanno ala; anzi per meglio dire, le immagini, tranne nel caso di Luca Giordano, citano altri autori del Seicento rispetto a quelli presenti al Pio Monte. Tornando al tema della luce, andando a rivedere gli originali ai quali mi sono ispirato, i valori in campo non sono tanto dissimili: penso al San Gennaro che esce illeso dalla fornace di Ribera nella Cappella del Tesoro di San Gennaro, un dipinto su rame dai colori vibranti e luminosi. In realtà ho usato una luce fortemente direzionata come quella in uso nella pittura barocca, con poco rischiaro nelle ombre, servendomi di una luce flash principale emessa da un soft bank con riflettore parabolico che interagisce con la luce naturale nel caso del cielo sottoesposto, del mare, o della grotta di tufo usata per lo sfondo.
Non era mia intenzione imitare i contrasti e nemmeno la visceralità propria degli originali, anche perché la tensione drammatica è qui molto più latente e criptata, qualcosa di indefinito.
Se poi la pittura traspare, non è nel senso imitativo e mimetico, semmai nel modus operandi: il lavoro si chiama Ex Novo perché parte da una serie di idee e da un foglio di carta bianco; tutto quello che vedete è atteso, costruito, pensato, fino all’ultimo dettaglio come in pittura.
La vera citazione è nella struttura rivoluzionaria della pittura barocca che associa dettagli e volti marcatamente naturalistici al complesso artificio degli schemi compositivi. Questo lavoro fa ricorso a una matrice geometrica molto evidente, a diagonali molto spinte, un espediente che conferisce dinamismo e vitalità alla costrizione imposta dalla inquadratura rettangolare, come del resto era in origine nei dettagli pittorici da me individuati come riferimento.
Come hai deciso di realizzare le stampe?
Si tratta di stampe a pigmenti realizzate su carta matt in fibra di cotone; i pigmenti e il cotone sono più assimilabili al disegno e alla pittura rispetto alle carte baritate che avrebbero avuto un sapore troppo fotografico, e per lo stesso motivo le immagini non sono protette da un vetro. Le stampe sono montate su dibond e hanno una cornice flottante che non chiude troppo l’inquadratura; la scelta del formato, 80x107 cm, è stata fatta per armonizzarsi con l’ambiente, per non entrare in competizione con le grandi tele presenti in chiesa e per mantenere un rapporto di ingrandimento della figura umana simile alla proporzione naturale.
I supporti realizzati appositamente su disegno di Giovanni Francesco Frascino portano le immagini in avanti e le sospendono nello spazio in corrispondenza delle linee architettoniche che si irradiano dal centro della chiesa a pianta ottagonale.
BIO
Tra i vincitori del premio Atlante Italiano 003, conferito dal Ministero dei Beni Culturali e la Triennale di Milano (2003) ha ottenuto la nomination al Prix BMW-Paris Photo (2007) ed è stato finalista per quattro edizioni consecutive agli Hasselblad Masters.
Ha esposto alla X Biennale Architettura di Venezia, al Museo MADRE di Napoli, al Museo MAXXI di Roma, al Museo MAMM di Mosca, a Fotografia Europea di Reggio Emilia, a Palazzo Ducale di Genova, alla Reggia di Caserta e in occasione del Fetival dei Due Mondi di Spoleto.
Nel 2010 è autore delle immagini su cui si fonda Italy of the Cities, una visione di Peter Greenaway per il padiglione italiano all'Expo Universale di Shanghai, rappresentata nello stesso anno all'Armory di New York.
Del 2013 l'installazione permanente Don’t ask where the love is gone di Shirin Neshat nella stazione Toledo Montecalvario della Metropolitana di Napoli, che si avvale di nove grandi ritratti realizzati da Luciano Romano.
L'opera è stata in seguito esposta alla Photobiennale di Mosca del 2014, a cura di Olga Sviblova.
A dicembre 2019, nella stazione della metropolitana di Scampia, Napoli, viene presentata Song ’e mare, la sua ultima installazione permanente di arte pubblica: “Quattordici fotografie di musicisti e cantanti napoletani a figura intera, posti lungo la stessa linea d’orizzonte, quella fra mare e cielo, mentre fanno un passo avanti in una costante dinamica fra scena e retroscena, luce e ombra, colto e popolare, ricordo e intuizione.” (Andrea Viliani, 2019). Ad aprile 2022 il suo ultimo progetto Ex Novo, sei immagini contemporanee intorno alle Sette Opere di Misericordia di Caravaggio, una ricerca degli indizi visivi che si trasmettono attraverso l’esposizione alla produzione artistica del passato e che riemergono nel processo della creazione contemporanea.
I suoi lavori sono conservati in numerose raccolte pubbliche e private, tra le quali la collezione del MAXXI di Roma, IICD a Roma, il Museo MADRE di Napoli, La Fondazione Edoardo Garrone di Genova, La Fondazione Banco di Napoli, la Robert Rauschenberg Foundation e il Watermill Center di New York.
EX NOVO di Luciano Romano
A cura di Marina Guida
Cappella del Pio Monte della Misericordia – Via dei Tribunali 253, Napoli
dal 14 aprile al 10 luglio 2022
Orari visite: dal lunedì al sabato dalle ore 10.00 alle ore 18.00, ultimo ingresso ore 17.30. Domenica dalle ore 9.00 alle ore 14.30, ultimo ingresso ore 14.00.
www.piomontedellamisericordia.it
www.lucianoromano.com
.jpg)
