Steve McCurry è uno dei più grandi maestri della fotografia contemporanea ed è un punto di riferimento per molti, soprattutto giovani, che nelle sue fotografie riconoscono un modo di guardare il nostro tempo.
In ogni suo scatto è racchiuso un complesso universo di esperienze e di emozioni e molte delle sue immagini sono conosciute in tutto il mondo. Fin dal 2009, mettendo ogni volta in evidenza un aspetto peculiare della
sua produzione fotografica, Civita e SudEst57 hanno dedicato varie mostre al grande fotografo americano, che hanno visto la presenza di oltre 800.000 visitatori.
La nuova rassegna allestita nel Palazzo delle Arti di Napoli, oltre a presentare il nucleo essenziale delle sue fotografie più famose insieme ad alcuni lavori più recenti e ad altre foto non ancora pubblicate nei suoi numerosi libri, mette in particolare evidenza la sua attività di fotografo, impegnato "senza confini"  nei luoghi del mondo dove si accendono i conflitti e si concentra la sofferenza di popolazioni costrette a fuggire dalle proprie terre. Il tema è purtroppo di grande attualità e Steve McCurry lo ha documentato fin dalla fine degli anni '70.

"Questa mostra, ponendosi sulla scia delle precedenti esposizioni di arte contemporanea internazionale al Pan | Palazzo delle Arti Napoli, è una nuova e interessante iniziativa, oltre che per la valenza artistica delle fotografie, per la forza dei racconti di Steve McCurry. Una narrazione per immagini dell'uomo contemporaneo nel mondo, nella sofferenza e nella violenza della guerra, nella diversità delle culture e delle etnie, in cui la  tragica crudezza della vita raggiunge livelli di lirismo intensissimi che uniscono il cuore e l'anima di chi sta dietro e davanti la pellicola. Una lezione di fotografia e di umanità che ha affascinato dal primo scatto reso noto e continua a catturare invitando ad ammirare l'altro con la stessa curiosità e meraviglia del nostro autore"

Nino Daniele, Assessore alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli.


Il progetto espositivo curato da Biba Giacchetti propone quindi un viaggio nel mondo di McCurry, dall'Afghanistan all'India, dal Medio Oriente al Sudest asiatico, dall'Africa a Cuba, dagli Stati Uniti all'Italia, attraverso il  suo vasto e affascinante repertorio di immagini, in cui la presenza umana è sempre protagonista, anche e solo evocata. Nel suggestivo allestimento di Peter Bottazzi questa umanità ci viene incontro con i suoi sguardi in  una sorta di girotondo dove si mescolano età, culture, etnie, che McCurry ha saputo cogliere con straordinaria intensità.
La mostra propone infine a tutti i visitatori una audioguida in cui McCurry racconta i suoi scatti in prima persona, con appassionanti testimonianze e alcuni filmati dedicati ai suoi viaggi, all'avventura della sua vita e della sua professione. Per conoscere meglio il suo modo di fotografare, ma soprattutto la sua voglia di condividere la prossimità con la sofferenza, con la gioia e con la sorpresa.

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Gli uomini e gli animali, gli umili testimoni dell'esistenza quotidiana, la leggenda e la storia, le solennità mondane e i mestieri, tutti i paesaggi, il mare, la montagna, la foresta, il temporale, le tiepide piogge delle primavere solitarie, l'alacre vento agli angoli delle strade, la tramontana sull'aperta campagna, i volti delicati delle donne. Tutto questo, più il mondo dei sogni e il mondo del meraviglioso, sono i soggetti prediletti dei tre artisti per eccellenza del “Mondo Fluttuante” (l’ukiyoe): Hokusai, Hiroshige e Utamaro.
Attraverso 200 silografie policrome e libri illustrati provenienti dalla prestigiosa collezione del Honolulu Museum of Art, la Mostra propone un viaggio nel mondo artistico e umano dei tre maestri, che ancora oggi, come nei secoli precedenti, hanno influenzato scuole e artisti del Giappone e dell’Europa, contrapponendo all’etica del samurai il godimento del singolo momento, il piacere, il divertimento in ogni sua forma.
L’esposizione, promossa e prodotta da Comune di Milano‐Cultura, Palazzo Reale e MondoMostre Skira e curata dalla professoressa Rossella Menegazzo, docente di Storia dell’Arte dell’Asia Orientale dell’Università degli Studi di Milano, si inserisce all’interno delle celebrazioni del 150° Anniversario delle relazioni tra Giappone e Italia, avviate con la stipula del primo Trattato di Amicizia e Commercio firmato tra i due Paesi il 25 agosto 1866.

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Un prestigioso appuntamento vedrà come protagonista la Città di Vibo Valentia: presso gli spazi espositivi della Camera di Commercio si terrà una mostra di Oliviero Toscani, a partire dal 21 ottobre fino al 20 novembre.
Da anni il grande fotografo, che ha cambiato il mondo della comunicazioni con le sue fortissime immagini, realizza ritratti nelle piazze d’Italia e del Mondo. RAZZA UMANA è il titolo della mostra, che dopo essere stata esposta in altri prestigiosi spazi approda a Vibo Valentia con decine di ritratti realizzati in ogni angolo del pianeta.
«RAZZA UMANA è uno studio socio-politico, culturale e antropologico – spiega Toscani – fotografiamo la morfologia degli esseri umani, per vedere come siamo fatti, che faccia abbiamo, per capire le differenze. Prendiamo impronte somatiche e catturiamo i volti dell'umanità»
Toscani, oltre a inaugurare l’esposizione, sarà anche il principale speaker di un workshop davvero unico per qualità degli interventi dal titolo Il mestiere dell’arte. Tre giornate di studio che nel corso del mese di ottobre (il 7, il 14 e il 20) vedranno alternarsi importanti professionalità pronte a raccontare nei minimi dettagli il sistema dell’arte italiano. Oltre a Toscani, ci saranno Sergio Gaddi, il “volto dell’arte” di La Vita in Diretta su Rai Uno; il Direttore di Palazzo Reale di Milano Domenico Piraina; l’editrice Paola Gribaudo; il presidente di LOOP (azienda leader in Italia per technology, interaction design e art experience) Claudio Mazzanti; il produttore di eventi Gianni Filippini; il curatore del settore arte di Rolling Stone Magazine Nicolas Ballario; la direttrice di mostre Francesca Silvestri, coordinatrice dell’ufficio estero di Arthemisia Group, la più importante azienda italiana per la produzione di mostre d’arte. E sarà proprio Arthemisia Group a organizzare mostra e workshop, entrambi promossi e prodotti dalla Camera di Commercio di Vibo Valentia.

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Dal 20 ottobre all’11 dicembre 2016, la galleria Officine dell’Immagine di Milano ospita la prima personale italiana dell’artista franco-algerina Halida Boughriet (Lens, 1980), fra le più talentuose voci dell’emergente panorama artistico.
Curata da Silvia Cirelli, la mostra Pandora’s Box raccoglie 15 opere dell’artista mai esposte in Italia, nel tentativo di esplorare la grande versatilità di una giovane interprete che continua a sorprendere con un’estetica ricercata e incisiva, profondamente attenta alle difficili dinamiche dell’universo interiore.
 
Nota a livello internazionale per esposizioni al Centre Pompidou o all’Institut du Monde Arabe di Parigi, Halida Boughriet ama confrontarsi con tematiche legate a problemi socioculturali, identitari, comportamentali e geopolitici che interessano non solo la realtà africana – a cui è strettamente legata – ma che riguardano in generale la storia culturale attuale, segnata oggi, più che mai, da scompensi derivanti il senso di sradicamento, l’incomunicabilità fra le persone e il bisogno di “appartenere”.
Partendo dall’utilizzo del corpo come fondamentale veicolo espressivo, l’artista si distingue per una netta predilezione di specifici linguaggi che fanno della performance il proprio punto focale. Riprodotte con serie fotografiche, o semplicemente documentate su supporto video, le azioni performative presenti nelle sue opere – e di cui a volte è protagonista anche la stessa Boughriet – catturano secondo l’artista l’autentico potere delle ambiguità emozionali. In un equilibrio precario che miscela bellezza e sofferenza, evasione e costrizione, questa giovane interprete smaschera le tensioni dei comportamenti umani, rivelandone le sotterranee fragilità.
 
Nucleo centrale del percorso espositivo è la serie fotografica Pandore(2014), alla quale si ispira anche il titolo della mostra. Eleganti interni d’ispirazione fiamminga, riproposti però in chiave contemporanea, svelano inverosimili mise en scène che hanno come protagonisti un gruppo di ragazzini dei sobborghi parigini. Il netto contrasto fra l’immacolata ricercatezza dell’ambientazione e l’estraneità dei suoi ospiti viene ulteriormente accentuato dalle innaturali pose di quest’ultimi, chiaramente e forzatamente inseriti in un contesto che non appartiene loro.
La minuziosa attenzione per i dettagli scenici torna anche nella serie Corps de Masse (2013-2014), ambientata nelle incantevoli sale del Museo d’Arte e di Storia di Saint-Denis, Francia. I corpi dei personaggi degli scatti, illuminati da una poetica e intima luce naturale che ne custodisce il lirismo, si muovono lentamente per poi unirsi in armoniose pose che riprendono i soggetti dei quadri esposti nella collezione del Museo.
Temi come la memoria culturale e l’importanza della coesione fra le persone rimangono nuovamente centrali nel recente progetto Réflexion(s) del 2016, che rilegge la teoria del filosofo Leibniz per la quale si considera la realtà come una miscela di percezioni – e riflessioni, appunto – che devono fondersi insieme per un’armonia universale. In questa prospettiva, con Reflexion(s) l’artista propone l’utilizzo dello specchio per far partecipare l’osservatore alla proiezione di cui “l’altro” è protagonista: ciò che infatti vede lo spettatore non è che il riflesso di quanto viene contemplato dal soggetto della fotografia.
La mostra prosegue poi con il video Autoportrait, in cui gli occhi della stessa Boughriet diventano letteralmente lo specchio di dolorosi ricordi collettivi che lasciano scorrere quasi incessantemente immagini di guerra, di distruzione e sofferenza, senza mai riuscire a placarsi. Il corpo dell’artista dà “voce” a un tormento inconfessato anche nella toccante serie Cri silencieux (2016) dove il potere del suo grido silenzioso, nel centro della Piazza dei Martiri di Beirut, spinge la narrazione a un livello percettivo in forte tensione, capace di rendere palpabile l’emozione umana.

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La mostra celebra, a quarant’anni dalla sua scomparsa, Federico Seneca (1891–1976), uno dei protagonisti della grafica pubblicitaria del Novecento, attraverso manifesti, locandine, insegne, logotipi, cartoline, calendari, scatole in latta e cartone e nove splendidi bozzetti scultorei in gesso mai esposti.

Tra i suoi lavori più conosciuti, la pubblicità dei “Baci” Perugina e l’ideazione dei “cartigli”, ovvero i bigliettini che ancor oggi accompagnano i famosi cioccolatini.

Inaugurazione: sabato 8 ottobre 2016, ore 17.30

Da domenica 9 ottobre 2016 a domenica 22 gennaio 2017, il m.a.x. museo di Chiasso (Svizzera) ospita una mostra dedicata all’opera creativa di Federico Seneca (1891–1976), uno dei maestri della grafica pubblicitaria del Novecento.
L’esposizione è parte della stagione espositiva 2016–2017 del museo svizzero, che si declina nel nome della “creatività”.

Le donne in costume da bagno, gli innamorati che si tengono per mano reggendo una scatola di cioccolatini, i cuochi panciuti, i cigni che sbirciano nelle lavatrici, il gatto selvatico con la coda che prende fuoco sono solo alcuni dei personaggi e degli animali che animano le pubblicità di Federico Seneca e che traducono un mondo dinamico, colorato e in fermento.

Al m.a.x. museo viene presentato un patrimonio visivo di grande piacevolezza con réclames che hanno caratterizzato l’immaginario visivo di un’epoca, come pure manifesti, locandine, grafiche pubblicitarie, insegne, logotipi, cartoline, calendari, scatole in latta e cartone e nove splendidi bozzetti scultorei in gesso mai esposti, che fungevano da base per lo studio figurativo dei manifesti di Seneca.

L’esposizione – curata da Marta Mazza, direttore del Museo nazionale Collezione Salce di Treviso (Polo Museale del Veneto), e Nicoletta Ossanna Cavadini, direttrice del m.a.x. museo e di Spazio Officina di Chiasso – s’inserisce nel filone promosso dal m.a.x. museo della “grafica d’impresa” dei maestri del XX secolo, e racconta per la prima volta l’intero percorso creativo di Federico Seneca, dal liberty a una visione futurista all’art déco, per giungere, dal dopoguerra in poi, alla modernità con la sintesi delle forme.

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