La grande fotografia è la protagonista del nuovo appuntamento espositivo del PAN.

Dal 5 maggio al 4 giugno sarà infatti presentato il lavoro più recente di Antonio Biasiucci dal titolo RES. Lo stato delle cose, composto da 40 immagini rigorosamente in bianco e nero.

L'iniziativa, su progetto culturale di Goffredo Fofi e curata dall'Associazione "Laboratorio Città Nuova", è promossa dal Comune di Napoli, Assessorato alla Cultura e dal PAN_Palazzo delle Arti Napoli che, per l'occasione, ha acquisito, per inserirla nelle proprio Centro di Documentazione, l'opera completa RES. Lo stato delle cose, formata da 55 fotografie in bianco e nero dal formato 40 x 40 cm.

Res (dopo Corpus, Magma e Vacche) è il quarto momento di un'esplorazione intorno agli uomini e alle cose, alla loro origine, al confronto tra natura e cultura. Un'operazione che ha richiesto tempi lunghi, fatto di studi che l'autore porta avanti da anni, prima ancora che questi prendessero forma di libri o di mostre.
La ricerca completata nel 2000 racchiude, come in Corpus, più soggetti, cui Biasiucci ha dedicato un tempo, adottando una metodologia per lui fondamentale.
La guerra in Kosovo diventa la fonte ispiratrice della prima parte del lavoro: l'Italsider di Bagnoli, area siderurgica dismessa, rappresenta lo smantellamento del mondo, raccogliendone i resti opachi e i relitti di civiltà abbandonate.
Gli altri temi affrontati da Biasiucci, rafforzano la drammaticità della solitudine, dell'abbandono, della fine. Il gelo e l'assoluto. Ogni singolo scatto incarna una metafora e tutti assieme costruiscono il romanzo fantastico di un mondo sospeso.

Biasiucci fotografa soggetti che sono alla base della nostra esistenza - acqua, pane, pietra, terra, vacche - e che, attraverso un continuo processo di scarnificazione (che lui dichiara di aver appreso dall'unico suo maestro, il regista teatrale Antonio Neiwiller), riesce a rendere universali, aperti a più interpretazioni e letture

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Le Scuderie del Quirinale riuniscono per la prima volta quasi tutte le opere di Antonello da Messina, uno dei grandi maestri del Quattrocento italiano, in una mostra che si preannuncia come un evento di portata straordinaria.
Da Londra, da Washington, da New York, da Parigi, da Vienna, da Dresda, da Anversa, da tutti i principali musei del mondo, dalla Sicilia e da tutta Italia arrivano a Roma le Madonne, gli straordinari Ritratti, le Crocifissioni, il famosissimo San Girolamo nel suo studio e tutte le preziosissime tavole che hanno creato la leggenda di questo grandissimo pittore siciliano.

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Dal 16 maggio al 18 giugno 2006, la Fondazione Nicola Trussardi presenta un progetto dell'artista inglese Martin Creed per gli spazi dell'Arengario di Piazza del Duomo a Milano.

Le opere di Martin Creed nascono dagli oggetti, dalle parole e dai suoni della vita di tutti i giorni. Come in una continua ricerca del grado zero della scultura, l'artista inglese utilizza i materiali più semplici per costruire un mondo in cui ossessione e fantasia modificano e riscrivono la realtà. Come in un viaggio alla scoperta di ogni dettaglio dimenticato delle nostre attività quotidiane, le installazioni, i disegni e le sculture di Martin Creed invitano gli spettatori a guardare all'universo con rinnovata attenzione.

Ogni interpretazione è valida nel mondo festoso di Martin Creed e spesso le sue opere hanno bisogno del pubblico per essere ultimate. Everything is Going to Be Alright, la scritta luminosa presentata a Times Square di New York, è una dichiarazione di ottimismo e allo stesso tempo una stoccata ironica sulla società dei consumi; Half The Air In a Given Space è una profusione sterminata di palloncini colorati che riempiono gli spazi delle gallerie e dei musei, una rilettura dei classici dell'arte contemporanea (dal Fiato d'Artista di Piero Manzoni alle Silver Clouds di Andy Warhol), ma anche un parco giochi dove tornare bambini. Il minimalismo leggero di Martin Creed si esprime anche attraverso gesti radicali come la sua celebre mostra alla Tate Gallery di Londra in cui l'unica sua opera consisteva in una luce che si accendeva e spegneva a intervalli regolari.

Il ritmo e la musica fanno parte della tavola degli elementi di Martin Creed. L'artista ha cristallizzato la scansione del tempo con una serie di metronomi modificati, ha trasformato un pianoforte in un macchina che si apre e si chiude automaticamente, e perfino organizzato concerti rock con la sua band. Ogni frammento della realtà è per Martin Creed uno stimolo a tornare alla radice dei problemi per inventare nuove assurde soluzioni e dimostrare teorie bizzarre.

Vincitore del prestigioso premio Turner Prize nel 2001, Martin Creed è nato nel 1968 a Wakefield, in Inghilterra. L'artista inglese ha presentato il suo lavoro nei musei più importanti e nelle istituzioni più prestigiose di tutto il mondo con mostre alla Tate Gallery di Londra, al Museo d'Arte Moderna di New York, al Centre Pompidou di Parigi, al Museo Boijmans di Rotterdam, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, all'Institute for Contemporary Art di San Francisco. Ha partecipato a importanti collettive e rassegne di tendenza come State of Play della Serpentine Gallery di Londra, la Biennale di Lione e la Biennale di Sidney.

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L'artista ritorna ancora una volta a Napoli, dopo l'affascinante e dibattuta installazione
Spiriti di Madreperla realizzata nel 2002 in Piazza del Plebiscito, per presentare alcuni
dei suoi ultimi lavori fra i quali l'opera Luce di Budda.
Quest'ultima opera indaga il tema della rinascita e dell'ascesa spirituale continuando il
discorso iniziato con l'istallazione napoletana dedicata alle anime del Purgatorio.

Ognuno dei lavori in mostra - come lei stessa ha dichiarato - "incapsula storie ed
esperienze" ed esprime un mondo interiore complesso che indaga temi quali la
sessualità, l'amore, la vita, la morte.
Fin dalle sue prime performance degli anni settanta Rebecca Horn ha fatto propria
l'idea di arte come "energia", un'energia che le deriva dal continuo dialogo con se
stessa, e che si rinnova ogni volta nell'incontro con un nuovo pubblico, in un nuovo
luogo, muovendosi in un profondo universo simbolico.

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La Triennale di Milano e Cassina presentano la mostra Le Corbusier. L'interno del Cabanon. Le Corbusier 1952 – Cassina 2006, che resterà aperta dal 5 aprile al 4 giugno 2006 nel giardino della Triennale.
L'esposizione presenta la ricostruzione al vero dell'interno del Cabanon che Le Corbusier progettò e costruì per le sue vacanze a Cap Martin nel 1952, un capanno senza fasto apparente ma che costituisce un esempio singolare di microarchitettura, denso di significati.
Cassina, in continuità con la ricerca dei Maestri dell'architettura, ne ha curato la realizzazione, che viene ora proposta con l'obiettivo di divulgare una conoscenza più profonda dei valori dell'interno architettonico.
Al Cabanon ricostruito (il cui ingresso è consentito ad un massimo di quattro persone per volta che dovranno indossare speciali soprascarpe) si accede da uno spazio coperto in cui vengono proiettate e esposte immagini e testimonianze relative a Le Corbusier a Cap Martin.
Il Cabanon nasconde un pregevole esercizio di architettura di Le Corbusier, che intese assegnare solo all'interno dell'abitazione il primario valore architettonico.
Rivelando una ricca composizione, logica e armoniosa, di soluzioni significative, pur nelle sue modeste dimensioni, la costruzione insegna in primo luogo che il problema dell'abitazione implica lo studio di scelte di qualità, piuttosto che di attenzioni sbalorditive e/o rappresentative. E' sufficiente già questo primo approccio a ricordare che il fattore primario dell'architettura costruita – monumentale o minimale che sia - è colui che la abita e trasferisce nelle cose il suo fervore umano.
Il Cabanon, ideato, progettato e costruito dallo stesso architetto che lo occupava, racchiude le condizioni ideali della progettazione architettonica, quella sintesi della dialettica tra momento progettuale e fruizione, dove la delega conferita al professionista da quanti pensano alla casa come altro da sé, o come feticcio da emulare, rappresenta la perfetta antitesi.
Sta dunque nell'intenzione di rendere più consapevole, più partecipativa, la responsabilità del committente nei confronti del progettista, la ragione stessa della ricostruzione di questa testimonianza - appositamente organizzata per mostre itineranti - e specificamente dei valori dell'interno così densi di contenuti magistrali da costituire una ineguagliabile fonte di ispirazione per chiunque sia interessato a scoprire valori e significati altrimenti ignorati.

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